Корзина пуста
Проверьте все доступные продукты и купите некоторые из них в магазине
8 апреля в Cube.Moscow открывается выставка произведений из металла 17 петербургских художников «Температура плавления» — совместный проект галереи Arts Square Gallery и группы независимых кураторов STURM. В экспозиции — сотни килограммов бронзы, стали, латуни и меди, которые обрели форму объектов искусства в руках художников, использующих методы гальваники, сварки, литья и травления. Этот проект удачно подсвечивает тренд среди молодых авторов обращаться к старейшим ремесленным практикам и не самым очевидным для современного искусства материалам и техникам. Рассказываем о пяти таких художниках.
Катерина Веселовская
«Мне просто нравится иметь власть над такой твердой материей, как металл, и смотреть на огненные струи», — признается петербургская художница Катерина Веселовская. Выпускница кафедры художественной обработки металла Академии имени Штиглица чаще всего обращается к технике чугунного литья — эта практика помогает художнице отразить темы и состояния, которые наиболее актуальны для нее сейчас. Литейные цеха и кузни — богатое на образы вдохновляющее пространство для художницы: «Это невероятно брутальная и агрессивная среда: вспышки, грохот, скрежет, тяжелые, острые, раскаленные предметы. Здесь всегда надо быть начеку и подчиняться окружающим тебя ритмам и процессам».
Брутальная материя в руках Катерины становится послушной, пластичной и обретает новые визуальные интонации. Идеальный пример: ее site-specific-проект «След» — полотно, сотканное из нескольких тысяч тонких стальных дисков с зеркальной отражающей поверхностью и напоминающее нежную чешуйчатую кожу мифического существа. Эту инсталляцию площадью 6 м² художница создавала специально для Алтайского природного заповедника, где рукотворная металлическая чешуя органично вписалась в природный северный ландшафт. Сейчас инсталляция перекочевала в большой выставочный зал арт-пространства Cube.Moscow, где ее можно увидеть до 14 мая включительно.
Виталий Тюрлик
Резидент Открытых студий «Винзавода» Виталий Тюрлик почти никогда не делает эскизов — композиции в текстильных картинах, обычно населенные многочисленными персонажами, появляются спонтанно. «Первым делом я изготавливаю фон-подложку для будущего текстильного коллажа: вырезаю части фона, составляю его из получившихся фрагментов, скрепляю все булавками и поэтапно сшиваю на машинке. В процессе шитья композиция, детали, иногда даже и сам сюжет работы могут изменяться», — рассказывает о своем творческом методе художник.
Свою первую работу в технике текстильного коллажа Виталий сделал, когда у него закончилась хлопковая ткань, на которой он делал ручную вышивку. Тогда он сшил на машинке оставшиеся от работы тканевые обрезки и лоскуты и соединил их в композицию с фрагментами ненужной одежды. Практикой вышивания Виталий занимается более трех лет. Но, по его признанию, это кропотливый, нудный и долгий процесс, по сравнению с которым текстильный коллаж — более свободная, динамичная и расслабленная форма творчества.
«Я рад, что смог найти свой материал, свою технику для того, чтобы выражать себя. Родственники, друзья, подписчики отдают мне ненужные вещи, я отложил в сторону ручную вышивку и полностью сконцентрировался на текстильных панно. Мое творчество дает мне ощущение не зря потраченного времени, появляется какой-то смысл в прошедшем дне». Сейчас на создание работ художнику практически не приходится искать материалы, тратить на них деньги, а ношеные, бесхозные, испорченные вещи получают вторую жизнь, становятся частью произведений искусства.
Ася Заславская
«Штучка», изображение тысячерублевой купюры, сотканной из бисера, — первый проект Аси Заславской в технике ручной вышивки. На создание миниатюрной работы у художницы ушло три года — ровно столько потребовалось времени, чтобы воплотить задуманный художественный образ в реальность. «Я придумала “Штучку” в 2017 году, но мне понадобилось несколько лет, чтобы начать ее вышивать: пойти в швейный магазин, подобрать бисер, взять в руки иголку. Я никогда не вышивала до этого».
Сейчас художница много работает с бисером, вышитые вручную работы Аси можно увидеть прямо сейчас на ее персональной выставке «Один к одному» в арт-кластере «Октава» в Туле. О том, чем ее привлекает древний вид рукоделия, художница рассказывает так: «Мне нравится думать, что этот медиум отсылает к переплетению нитей, которые традиционно в культуре связаны с творением жизни. Все мои работы, выполненные из этого материала, очень разные, материал каждый раз меняется под воздействием темы: здесь двигается, там фиксирует, в третьей работе он рассыпается по поверхности».
Традиционную ремесленную технику художница элегантно интегрирует в контекст современных арт-практик и эстетику минимализма. Один из ключевых в творчестве Аси проект Blood, Tears and Sweat — серия динамических картин, где тончайшие нити бисера на холсте приходят в движение от легкого касания. По задумке Аси зритель может распустить бисерные нити своим прикосновением, если захочет, оставив на поверхности холста едва уловимые следы присутствия художника.
Даниил Антропов
Глина и стекло — любимые рабочие материалы Даниила Антропова, одного из самых самобытных молодых скульпторов, который родился и вырос во Владивостоке. Теплые чувства к этим фактурам связаны с личной историей: в детстве Даниил часто наблюдал, как его отец занимается ремесленной керамикой и работает с глиной.
Визитная карточка художника, сложносочиненные арт-объекты с многослойной текстурой и струящимися формами, которые можно приобрести на TEO by Cosmoscow, появились в практике Даниила не сразу. «Я начинал с ремесленничества, потом ушел в искусство. Мне кажется, это естественно для многих художников — когда ты начинаешь взаимодействие с материалом, затем приходишь к осознанности процесса», — делится Даниил. Обращение молодых художников к традиционным ремесленным техникам он связывает с феноменом цикличности: «Мир цикличен, и мы вместе с ним».
С детскими воспоминаниями о совместных занятиях с отцом связана и любовь художника к созданию раку — керамики в старейшей японской технике восстановительного обжига, традиция которой восходит к XVI веку. Культурный контекст Восточной Азии вообще сыграл не последнюю роль в профессиональной карьере художника. В 2012 году он жил в Японии, где на практике изучал японские технологии создания керамики, в Японии же, Китае и Южной Корее в разные годы проходили выставки его искусства.
Екатерина Зорькая
Образный язык художницы из галереи a-s-t-r-a Екатерины Зорькой — сложная визуальная амальгама ее впечатлений и воспоминаний о жизни в разных уголках земного шара. Художница родилась в семье потомственных дипломатов: ее детство прошло в странах Ближнего Востока — Сирии, Израиле, Палестине, школьное образование она получала в США. В студенческие годы, которые Екатерина провела в российском МАрхИ, она много путешествовала по Западной Африке: «Этнические мифы и легенды, необычные обряды и верования — все это легло в основу моего творчества и сформировало меня как художника».
Техника, в которой работает Екатерина Зорькая, — что-то среднее между вышивкой и текстильной аппликацией, она появилась благодаря экспериментам с разными материалами. «Сначала я сделала раму для картины из бархата, потом начала использовать текстиль в самих картинах, а дальше продолжила экспериментировать. Внедрение ремесленных практик в современное искусство — сложная задача. Приходится балансировать на тонкой грани, всегда есть риск превратить предмет своего искусства в большую фенечку». По признанию художницы, она никогда не ограничивает себя в средствах самовыражения, может использовать любую фактуру, материал, технику. Процесс создания новых работ все время усложняется, обретает новые формы, трансформируется.
